Domination nakite

Année: 1998
Titre original: A カイト aka A Kaito, Kite (US)
Réalisateur: Yasuomi Umetsu

Plot: sang, sexe et jazz.

Sources: IMDb & Wikipedia

Mr Orange: OAV sombre, violent et sexy, A kaito revient régulièrement au goût du jour depuis 1998, au rythme de l’assouplissement de la censure ou de la sortie de spin off et autre adaptation. Censure? Oui, c’est vraiment pas un animé pour les enfants pour ne pas dire interdit aux moins de 18 ans.

Pitch: Sawa se fait recueillir par Akai après la mort de ses parents, mais pas sans contreparties, devenant tueuse à gage et… objet sexuel, qu’elle le veuille ou non. Une sorte de Léon (lien) un tantinet plus disjoncté. De courte durée (moins de 60 min), l’anime est excellent, notamment pour l’efficacité du récit. Enchainant alternativement des assassinats méthodiques façon bain de sang explosifs et des flashbacks, A kaito est un anime réfléchi qui cache bien son jeu derrière son approche trash. Trash donc, les gunfights sont hyper-violent, et ça va crescendo, du déchirement des chairs jusqu’à la destruction de tout l’environnement, ça gicle, ça vole, y’a des morceaux partout. C’est l’éclate.

Coté cul, on parle de scènes de sexe très graphiques pour ne pas dire pornographiques valant à l’anime une misclassification de hentai. Le déploiement de telles images a alimenté la controverse, notamment les flashbacks où Sawa est encore jeune, générant une censure en bonne et due forme. Le problème est que la dite censure est réellement délétère à A kaito qui souffre d’un manque de fluidité due aux coupes. Chose regrettable, car même si ces fameuses scènes sont quelque peu gratuites, superflues, obscènes ou malsaines, elles servent aussi le comique, le propos du récit et la construction du personnage de Sawa. Après, voir un énorme mandrin fourvoyer une créature toute frêle, c’est pas forcément nécessaire, et les plans appuyés sur les boobs excessivement généreux de Sawa non plus. Heureusement que ce n’est que animé (cf Caligula). Au final, A kaito dure entre 45 et 60 min (Special Edition de 53 mn dans mon cas) selon le gradient de censure.

Concernant le goût du jour évoqué plus haut, une adaptation ciné est en cours, avec dans le rôle d’Akai, le grand, le seul, l’unique… Samuel L. Jackson, grand fan avant l’heure! Mieux, The Weinstein Company a prévu sa sortie pour 2014 (Trailer ici) !! Certains l’auront peut-être flairé, ça sent le Tarantino ça? Tout à fait. A kaito faisait parti des homeworks pour préparer le rôle Gogo Yubari et semble avoir inspiré Kill Bill. Revenons à l’adaptation. Petit bémol quand même: au vue du sujet, le scénario doit être remanié et le film devrait méchamment lever le pied côté sang… mais surtout côté cul. Espérons qu’une pointure en tête de générique ne soit pas le seul point fort et que le film restera intelligemment fait.

Petite perle animé nippone, trash et bien foutue. C’est bourrin, c’est cochon, certes malsain, mais c’est bon.

Mary et max

Année: 2009
Titre original: Mary and Max
Réalisateur: Adam Elliot
Voix notoires: Toni Colette, Phillip Seymour Hoffman, Eric Bana

Plot: correspondance entre Mary et Max

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange: Fort de l’expérience de 4 courts-métrages ayant écumés les festivals, Adam Elliot signe un premier long métrage: splendide. A base de pâte à modeler et autres bidules, il recrée un univers sobre et désenchanté afin de servir son propos humaniste garnis d’humour.

Mary, petite fille australienne de 8 ans évoluant dans une gamme de marron, initie une correspondance avec Max, un aspie New-Yorkais de 44 ans évoluant dans une gamme de gris. Leurs points communs: ce sont deux solitaires rejetés par leurs pairs. Ainsi, par lettres interposées, chacun raconte sa petite vie en voix off et une amitié improbable se forme.

Fondamentalement, il ne se passe pas grand chose. Mais la narration est dynamique, accompagnée d’une excellente bande son et surtout comique, ce qui permet de supporter la douleur du sujet: solitude, rejet, alcoolisme,… la liste est bien longue pour un film d’animation en apparence si léger. Adam Elliot a le don de les conter de la plus drôle des façons: mêlant humour noir, poésie et désinvolte.

Très bon film d’animation pour adultes amoureux du chocolat.

L’homme aux poings de fer

Année: 2012
Titre original: The Man with the Iron Fists
Réalisateur: RZA
Acteurs notoires: RZA, Russell Crowe, Lucy Liu, Gordon Liu, Pam Grier, Eli Roth, Cung Lee, David Bautista…

Plop: prends ça dans ta face.

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange: Transpirant la culture kung-fu depuis la mythologie ou les textes du Wu-Tang Clan qui l’a fait connaître, RZA (RaiZAa) plonge inexorablement dans le cinéma: bandes originales pour Ghost dog, la voie du samurai, Kill Bill vol. 1, Afro samuraï… et diverses apparitions à l’écran dont la plus notoire est probablement « Samouraï Apocalypse » dans Californication. C’est donc sans surprise qu’après s’être amouraché de Jarmusch et Tarantino, il finisse par passer de l’autre côté de la caméra pour faire son propre film de kung-fu.

Fan de kung-fu, RZA recrute une tripotée de talents pour l’épauler: Eli Roth l’assiste pour livrer un scénario très kung-fu, Corey Yuen confirme ses talents de chorégraphe (réalisateur/chorégraphe du bon La légende de Fong Sai-Yuk notamment), Russell Crowe brille à l’écran en flegmatique pervert, Lucy Liu nous resserre son rôle inlassable, des champions d’arts martiaux font acte de présence… et l’inévitable maître Gordon Liu livre le « cameo obligatoire à tout film de fan » (cf Kill Bill).

Bons acteurs, bon chorégraphe, bon scénar’…. mais qu’est-ce qui pêche alors? Ah… la réalisation: brouillonne, elle sabote un film qui aurait pu valoir de l’or: il vaut du bronze. Oui, RZA a beau être fan de film de kung-fu, il n’en n’est pour autant réalisateur. S’entrainer le jeune padawan doit, s’il veut atteindre l’excellence. Par contre, la où l’on attendait réellement, c’était à la bande originale! Vindiou! Mais non. Pour l’histoire, non satisfait de la BO qu’on lui proposait, il a demandé conseil à PAPA Tarantino (qui «  »présente » » le film et) qui lui a répondu de la faire lui même. RZA aurait dû écouter plus attentivement QT et se débrouiller tout seul avec son Clan. Il a jusque là été très bon à ça. Parce qu’autant on peut apprécier la présence d’Issac Hayes… celle de Kayne West est vraiment très déplacée! Il aurait dû produire, se concentrer sur la BO et confier la réalisation à quelqu’un de bien au lieu de se perdre entre l’avant et l’arrière de la caméra. Parce que je n’en ai pas parlé mais son jeu n’est pas au mieux de sa forme.

Oh gloire, des petits plaisirs vont venir sauver l’honneur:
– un oeil qui vole suite à un coup de poing dévastateur, hommage à Kill Bill vol. 2 évidement… mais aussi image du degré de violence que s’est permis RZA, rien de plus plaisant qu’un film de kung-fu avec des liquides et des solides qui volent.
– des répliques d’exception qui vont souvent de paire avec l’humour gras qui tourne autour du temple de dépravation dirigé par une Lucy Liu impassible.
– Pam Grier, icône sexy de la blaxploitation, qui nous offre un caméo en mère libératrice de…
– … Thadeus (RZA) qui devait apparaître dans… Django unchained!!

A force de vouloir tout faire, RZA se disperse. Il jongle avec l’excellence mais ne maitrise pas encore son Khi et ne nous livre que de petits bons moments.

God bless america

Année: 2011
Titre original: God bless america
Réalisateur: Bob Goldthwait
Acteurs notoires: Joel Murray, Tara Lynne Barr

Plot: roadtrip sanglant purifiant l’amérique de ses abrutis.

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange: Derrière ce titre suintant le vomi patriotique se cache une superbe comédie noire acerbe, taillant les USA, les américains et leur culture brainless centrée sur la télévision, youtube et cetera… personnifiée ici par la télé-réalité.

Frank, type lambda, divorcé, cancereux, viré… s’exaspère devant la débilité profonde des programmes télévisés qui s’offrent à lui, la débilité de ses concitoyens, leur méchanceté, leur impolitesse, la civilisation dé-civilisée… et va lever les armes contre ses compatriotes. D’abord simple fantasme, quelques déclics vont suffire à le lancer dans une quête inquisitrice épaulé par une jeune et jolie nenette atteinte d’ADHD passant son temps à haïr toute la stupidité humaine.

Petite blague: les Français sont cités en argument d’autorité, connus pour leur répulsion notoire de l’amérique et sa culture coca-cola.

Qu’on soit d’accord, c’est complètement amoral, un bébé se fait décomposer à coup de shotgun en masque de beauté sanguinolent pour sa mère dans les premières minutes. C’est d’ailleurs le seul nuisant que l’on ne voit pas recevoir son projectile fatal… limite définie par le réalisateur qui devait juger que la polémique soulevée par son film suffisait amplement pour ne pas montrer ceci à l’amérique puritaine.

Tueurs nés qui a percuté Michael Moore et Live ! ? Frank et Roxy les Bonnie’n Clyde version 2010 ? Peu importe, c’est drôle, ça ouvre en 2 l’aculture… encore mieux que l’auto-masturbation devant Confessions Intimes.

Expendables 2: unité spéciale

Année: 2012
Titre original: The expendables 2
Réalisateur: Simon West
Acteurs notoires: Sylvester Stallone, Jason Statham, Bruce Willis, Arnold Schwarzenegger, Chuck Norris, Jean-Claude Van Damme . . .

Plot: ode aux films d’action

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange:

Legeeeeeeeeeeeen… wait for it… daaaary! Legendary.

Ceci étant dis, Expendables 2 est un grand moment de cinéma, relèvant l’exploit d’écraser à plate couture le premier du nom. Et c’est peu dire. Le premier était fade tout juste sauvé par la séquence dans l’église (voir la One scene ici). Le 2 est tout simplement magique, 1h40 d’orgasme que tout fan d’action se doit de voir. Question de survie. True story.

Un scénario gentillement ficellé qui dessert merveilleusement une avalanche de scènes d’action qui ne cessent de se renouveler, jusqu’à noyer complètement les souvenirs de la bande annonce. Des combats à toutes armes et tous véhicules, des entrées (et sorties) de personnages rocambolesques, pour des scènes épiques défiant les lois de la réalité de la plus dévergondée des façons. Et ! Parce que ce n’est pas fini, c’est violent à souhait (sans atteindre les sommets de Rambo 4e du nom), les corps finissent en pièces, c’est génial. Que demander de mieux?

Une myriade de gags, catch lines et autres références aux films/carrières/vies personnelles des acteurs impliqués, surfant souvent sur l’un des écarts au réalisme offert par le scénario. De l’humour à ne plus savoir qu’en faire, optant occasionnellement pour la vanne subtile et souvent pour le clin d’oeil bien gras, c’est génial.

La fusillade de l’aéroport ♥ Chuck Norris ♥ Toutes les citations et autres scènes cultes avant l’heure ♥ C’est génial ♥

Questions:
1/ mais où est passé Jet Li? Quid de son kung-fu imbattable?
2/ pourquoi perdre son temps avec la misère du village ou la séquence à Paris? Franchement, on est plus à un raccourci scénaristique près.
3/ comment Stallone va réussir à faire un 3 encore meilleur?!

Un panthéon de l’action pour un film gras, testostéroné et bourré de références. Yippee-kai-yay.

Rebelle

Année: 2012
Titre original: Brave
Réalisateur: Mark Andrews, Brenda Chapman
Voix notoires: Bérénice Bejo

Plot: une princesse préfère la vie sauvage à la vie de château

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange: Premier Pixar d’époque, Rebelle s’offre le cadre des hautes terres d’Ecosse, ses mythes, sa musique, son accent, ses paysages et ses kilts dans une ode à la vie (de) sauvage. Succès assuré.

Premier point fort: l’esthétisme. Les highlands, c’est magnifique, point. Un Pixar, c’est splendide. En conséquent, Rebelle nous décalque la rétine jusqu’à faire frémir le nerf oculaire. True story. On était prévenu, Pixar s’est arraché les cheveux sur la tignasse de la princesse, en oubliant pas de soigner le reste. On apprécie particulièrement le dessin caractéristique de Pixar, à cheval entre cartoon (essentiellement les humains) et réalisme (essentiellement le reste).

Deuxième point fort: l’humour et les références. De la boutade tartiné sur la chapelle Sixtine au bête rot de la reine, on en a pour tous les goûts. Et branchez les neurones, l’armada de clins d’oeil habtituels est de la partie: MacIntosh et le défunt père spirituel, MacGuffin et les mystères de la narration, William Wallace… Mieux, un geek en herbe s’amusera du chemin de feux follets, du cheval qui bugge derrière le décor et sera empli de nostalgie par le changement de monture.

Troixième point fort: la magie de l’histoire, mais chut, ça c’est secret.

Le point faible: l’influence néfaste de Disney. Après 5 secondes d’obscurantisme auditif inné, les paroles de la première chanson atteignent les oreilles: « mais quel est ce son ignoble?… mais pourquoi?… diantre, Disney à encore frappé… ». Pour le plaisir des gamines de 6 ans, on a droit à une seconde chanson. Pour l’honneur de Pixar, il n’y en a pas de 3e. De même, le dénouement disney-gniangnian nous rappelle qui est la cible principale du film. Dommage.

Malgré sa phagocytose par Mickey, la Pixar-touch reste indétronable, point.

NB: à voir si possible en VO, pour l’accent écossais mais aussi parce que les chansons sont bien moins agaçantes et passent plus naturellement avec le même accent écossais.

Légitime violence

Année: 1977
Titre original: Rolling thunder
Réalisateur: John Flynn
Acteurs notoires: William Devane et Tommy Lee Jones

Plot: vengeance crochue

Source utile: IMDb

Mr Orange: Film d’exploitation haut de gamme, Rolling thunder se paye le luxe d’un joli staff: scénario de Paul Schrader connu pour avoir signé des scénarios Scorsesiens (Taxi driver et Raging bull), un Tommy Lee Jones au talent latent bien que méconnu à l’époque et William Devane vu dans Stargate SG-1 et toute une flopée d’autres séries qui montre sa capacité à revêtir un rôle principal avec brio.

Éternelle et sacro-sainte histoire de vengeance donc. Le Major Charles Rane, vétéran du Viêt Nam, retourne parmi les siens après 7 ans d’incarcération et de torture notoire. Acclamé par une fanfare, il retrouve une femme qui ne l’aime plus et un fils qui ne le connait pas. Peu importe, les tortures quotidiennes ont eu raison de l’âme du Maj. Rane formidablement interprété par W. Devane qui reste de marbre dans la douleur. Problème, quand de petits malfrats vont s’en prendre à sa famille et à lui-même, il va faire ce qu’il sait le mieux faire: tuer. Et pour ça, il va trouver un allié en Johnny, qui sort du même enfer que lui et va l’épauler dans une apothéose macabre.

Pour assouvir nos petits plaisirs simples, Tommy Lee Jones s’essaye déjà à la personnalisation de ses dialogues:
Prostitute: What the fuck are you doing?
Johnny: I’m gonna kill a bunch of people.

Rolling thunder est aussi un des petits favoris de Q. Tarantino qui a nommé la Rolling thunder pictures en hommage au film. Boite de distribution qui a permis de diffuser des films étrangers tels que Chungking express, le chef d’oeuvre de Wong Kar-waï et le bien-aimé Sonatine de Takeshi Kitano… ou de ressortir des vieux films d’exploitation (Switchblade sisters, Detroit 9000, The beyond).

Une vengeance légitime qui n’a pas honte de sa violence, de bons acteurs, donc un bon film.

L’ange exterminateur

Année: 1962
Titre original: El Ángel exterminador
Réalisateur: Luis Buñel
Acteur notoire: aucun

Plot: bourgeoisie entre 4 murs

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange: Subtilement évoqué dans Minuit à Paris (super critique ici), L’ange exterminateur est un des pré-établis chefs d’oeuvre de Buñuel, éminent réalisateur hispano-mexicain aux racines surréalistes. Sur-brossés par les critiques, film et réalisateur ne sont pour autant pas exempts de déceptions.

Outre le titre accrocheur totalement gratuit, le scénario inspiré par Gil Pender est l’aspect le plus vendeur du film. Une bande d’aristocrates se retrouvent emprisonnés par une force supérieure chez leur hôte après une soirée mondaine et ne trouveront d’échappatoire avant de s’être mis à nu. Le décor mis en place sert alors le discours moqueur et critique envers la haute société – et l’Eglise accessoirement. Autre atout, la force surréaliste inexpliquée fort drôle et futée qui joue des tours de passe-passe avec le psyché de nos convives et vaut quelques scènes exquises.

Le gros bémol du film: l’immersion bancale. D’abord côté technique: la mise en scène fait mal aux yeux, trop théâtrale. Explication: les entrées/sorties de champ avec arrêt inopiné en plein milieu pour jouer sa ligne de texte/action ne sont pas du tout fluides, surtout lors de plus ou moins plans séquences au cours desquels plusieurs personnages interviennent à tour de rôle. On entend presque Buñuel dicter les allées et venues de ses acteurs. Où est le naturel? Le jeu y perd toute sa crédibilité…

Le gros bémol du film: l’immersion bancale. Ensuite côté théorique: la volonté de Buñuel de ne pas matérialiser la « force supérieure » va trop loin. Dès le lendemain de la soirée, tout le monde se plaint d’être coincé dans la demeure sans essayer d’en sortir (à moins d’un excès de somnolence de ma part?), sans même esquisser un seul pas vers la sortie. Une ou deux tentatives avortées auraient justifié l’abandon qui s’en suit. Et puis le contexte: la bourgeoisie mexicaine sustente difficilement notre vision des sphères huppées. Une bonne bourgeoisie bien so british eusse été de rigueur et aurait par là même accentué le comique des scènes… regret d’ailleurs avoué par Buñuel.

Bilan: une immersion bancale qui entache un excellent scénario et un discours intemporel souffrant légèrement de son degré d’approche un peu vieillot. Coups de coeur pour la chute.

Modus operandi

Année: 2009
Titre original: Modus operandi
Réalisateur: Frankie Latina
Acteurs notoires: Danny Trejo, Michael Sottile

Plot: lutte sans merci pour 2 mallettes.

Source utile: IMDb, WikiP (en)

Mr Orange: Il y 2 façons de revenir de vacances: discrètement ou avec fracas. Voici le fracas: Modus operandi, un film faisant un hommage phénoménal aux films d’exploitation 60’s – 70’s, façon gros calibre.

Si il y a un nom à retenir dans le casting: Danny Trejo qui a la bonté d’offrir son aura au ciné indé. Les petits malins reconnaitrons une 2e tête: celle du flic qui perd une oreille dans Reservoir Dogs. Et… si il y a un nom à retenir côté production, c’est celui de…. Sasha Grey! Que les petits malins auront déjà vu dans une ribambelle de films pornographiques, et que nous avons déjà vu jouer dans Girlfriend experience de Steven Soderbergh (voir la critique ici). Productrice qui vaut au film l’en-tête « Sasha Grey presents »… chose qui claque, avouez-le. Et oui, au cas ou ce n’était pas translucide, ce film est un bijoux.

Parlons bijoux: tourné en super 8, le film est plus rétro qu’un film rétro, que ce soit par la qualité de l’image, la mise en scène ou le montage. Dingue: plus de plans boobs que de dialogues, des filles en maillot de bain dans toutes les scènes, des explosions de violence aussi soudaines que sanglantes et hilarantes. Et puis… des meurtres, des courses poursuites, de la torture, des gens tous nus, du snuff, de la dynamite…. Ultra kitsch à souhait.

Le petit plus, c’est que Modus operandi se paye le luxe de références à ses sources d’inspiration. Pour ne citer que la plus grasse: l’introduction qui reprend mot pour mot celle de Shogun assassin (voir la critique ici) en adaptant tout juste la tirade à l’histoire. On est prévenu dès le début: Frankie Latina connait ses classiques.

C’est génial.

The sword

Année: 1980
Titre original: 名劍, Ming jian
Réalisateur: Patrick Tam
Acteur notoire: aucun?

Plot: un chevalier cherche à affronter la légende de son temps.

Festival Paris Cinéma: Hong-Kong à l’honneur – Focus Patrick Tam

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange: Premier film, The sword propulse Patrick Tam au devant de la scène Hong-Kongaise et constitue un élément clé de la Nouvelle Vague HK dans un souffle de western spaghetti: esthétisme prononcé, duels « de mano a mano », anti-héro, femmes fortes…

De quoi on cause? De Li Mak-Yin, l’élève d’un vénérable maître qui veut à tout prix croiser le fer avec le sabreur mythique. Mais il n’est pas le seul à chercher un prix dans une quête égoïste qui est évidement semée d’embuches, entre rival machiavélique et femmes aimées, aimantes, vengeresses et dignes.

Originaire de Taïwan, Patrick Tam imprègne son film et ses chorégraphies – signées par Ching Siu Tung – d’une double influence: le wu xia pian chinois et le chambara nippon. L’un faste et grandiloquent joue dans la surenchère d’acrobaties, l’autre puriste et ultra-stylisé apporte son lot de classitude totale. Des combats splendides donc, qui rythment le film et n’arrêterons pas de surprendre, évoluant progressivement de jeux de parades/attaques sobres vers des pirouettes aériennes endiablées jusqu’à l’apothéose finale dantesque.

Cerise sur le gâteau, The sword se dote d’un thème musical efficace accompagnant un travail esthétique formidable, optant pour la simplicité. Patrick Tam nous prend toutefois à contre-pied, avec un scénario complexe et surtout de bref changements radicaux avec des flashs gores et des négations de la gravité. Pour notre plus grand plaisir, Mr Tam surprend avec un souffle supplémentaire donné au film au travers d’un personnage secondaire: l’homme de main aux talents d’infiltration surréels qui provoqueront horreur et/ou fous rires.

Duels d’épéistes virtuoses et romance écorchée par les codes du chevalier. Un film simplement magnifique.

Iron monkey

Année: 1993
Titre original: 少年黃飛鴻之鐵馬騮 , Siu nin Wong Fei Hung ji: Tit Ma Lau
Réalisateur: Yeun Wo Ping
Acteur notoire: Donnie Yen

Plot: un Robin des Bois se moque des autorités tandis que la relève se prépare

Festival Paris Cinéma: Hong-Kong à l’honneur – Focus Yuen Wo Ping
En présence du réalisateur

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange: Que ça se sache: un bon film de kung-fu est un film de premier choix. Qui plus est lorsqu’il est question d’une oeuvre de Yuen Wo Ping, un maître chorégraphe pas radin en combats grandioses, pour le plus grand plaisir de nos yeux écarquillés. Sous la production de Tsui Hark, Yuen Wo Ping  s’amuse avec l’enfance de Wong Fei-Hung, héros chinois populaire réutilisé dans une multitude de films, ex: Il était une fois en Chine, avec Tsui Hark à la réalisation, Yuen Wo Ping à la chorée…

Le point fort: les combats, évidement. Les coups sont puissants, précis et récités, la subtile touche kitsch. Surtout: nous ne sommes pas limités aux prouesses d’un seul et unique champion du kung-fu mais à plusieurs héros qui devront faire face à de nombreux ennemis hauts en couleurs, chaque individu ayant un kung-fu spécifique. Cette diversité, en plus de la créativité du chorégraphe prodigue, permet au film de se renouveler continuellement et d’offrir un fabuleux divertissement rythmé, drôle.

Drôle, parce qu’en dehors des superbes combats magnifiquement réalisés – je ne le dirais jamais assez – et des personnages bien travaillés, Iron monkey est une légère comédie truffée de gags qui ont le bon goût de ne pas tomber dans le kung-fu burlesque à la Jackie Chan. Fort appréciable. Normal… Yuen won Ping est un des fondateurs de la kung-fu comedy.

Petits plaisirs uniques:
– se faire présenter le film par son réalisateur qui dévoile innocemment qu’il s’agit de son préféré, sa scène favorite étant celle du ramassage de papier, déclaration d’amour façon kung-fu.
– avoir un projectionniste qui doit faire face à des coupures de son allant jusqu’à plusieurs minutes, ce qui nous plonge dans les subtiles saveurs du cinéma oldschool, /love

Un kung-fu superbe, une caméra énergique, un humour latent… un vrai petit moment de bonheur.

NB: Iron monkey est un des petits favoris de QT qui a participé activement à sa diffusion aux USA.

La part des anges

Année: 2012
Titre original: The Angels’ Share
Réalisateur: Ken Loach
Acteur notoire: aucun

Plot: une jeunesse désillusionnée découvre le whisky

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange: Dernière tournée de Ken Loach, La part des anges fait hommage au whisky, le bon, le vrai sur fond de détresse sociale (un Ken Loach reste un Ken Loach… ) dans le format d’une comédie dramatique orchestrée d’une main de maître. Le prix du Jury de Cannes 2012 est loin d’être volé.

Ouverture comique sur l’énumération des chefs d’inculpation d’une tripotée de rebuts de la société. Kenny donne le ton… mais n’oublie pas de nous rappeler que le meilleur des mondes n’existe pas dans son monde: la réalité. Ainsi se crée une tension pesante accentuée par notre connaissance de la capacité du Ken à envoyer du drame en spray. C’est ainsi qu’il nous mène par le bout du nez, entre rire, effarement, tension, soulagement, émerveillement… et instruction en bonne et due forme.

L’Ecosse, ses accents, ses saveurs, ses paysages, un de ses châteaux, sa culture (sauf pour certains) pour redorer une jeunesse sans avenir dans un film sacrément bien foutu soutenu par de bons acteurs souvent castés « sur le tas ».

Ressentir un petit frisson à l’ouverture d’une bouteille de whisky, ça n’a pas de pris.

[Ciné-mix] Etudes sur Paris

Festival Paris Cinéma: ciné-mix

Ouverture de la double nuit HK avec un ciné-mix du film Etudes à Paris par Jeff Mills.

Le film: Etudes sur Paris d’André Sauvage, 1928
Documentaire muet en noir et blanc, Etudes à Paris immortalise un tout-Paris des années 20 au travers de 5 thèmes. Une entrée fluviale dans Paris par le Nord, via les canaux de Saint-Denis puis St Martin, tiré par un toueur. Une traversée Nord-Sud de la Porte de la Chapelle à la Porte de Versailles. Les iles de Paris, le Luxembourg, la périphérie. Toutes la classes sociales, toutes les architectures, toutes les vies quotidiennes y passe… même si cela reste très contemplatif, certains plans sont drôles, d’autres intéressant – pour l’aspect historique – et de rares mises en parallèle feront réfléchir. C’est pas fondamentalement chiant, loin de là, y’a des choses sympa, mais ça casse pas non plus des pattes à un canard, surtout quand on dépasse l’heure.

Le Dj: Jeff Mills (accompagné d’un percussioniste)
L’un des pères spirituels de la techno (ceci vous dis peut-être quelque chose?), Jeff Mills est la figure de proue du beat from Detroit (le Berlin d’outre-atlantique) et oeuvre à sa diffusion depuis plusieurs décennies désormais. Et avec les années qui passent, ce Dieu ambulant malgré tout méconnu se diversifie et produit notamment des ciné-mix (non vus), celui-ci étant son 1er film français et son 1er documentaire.

Contrairement à la majorité de ceux qui liront ces lignes, Jeff Mills a découvert Paris (ou tout au moins le Paris hors clubs) au travers de ce film… avant de reparcourir les mêmes quartiers de ses propres yeux. Expérience fortuite et – d’après lui – fascinante, il a spécialement apprécié l’aspect mystique de l’architecture parisienne.

D’où un mix assez mystique, lancinant qui ondulera entre des phases calmes et d’autres plus énergiques, celles qui vous titillent et donnent envie d’aller s’agiter sur un dancefloor. Le mec est bon, point.

Le Ciné-mix:
Le mix est clairement bénéfique au film ce dernier étant muet et peu rythmé, un bon beat réfléchi est fort appréciable. Mention spécial pour l’accord entre l’entrée de la péniche dans le tunnel avec un plan agressif sur des chaînes en mouvement frénétiques, propulsant la péniche dans l’obscurité et le ton donné par Jeff Mills au son qui colle parfaitement. On appréciera aussi la séquence de plongeons  en rythme et d’autres détails.

Le film est clairement pas optimal pour la discipline. Les images globalement sympa et le format documentaire / noir & blanc / muet sont appropriés. Mais… mais, ce qui ne colle pas c’est le rythme, ou plutôt l’absence de rythme. Jeff Mills – parce qu’il est bon le saligaud – a trouvé le moyen de justifier ses modulations musicales avec par exemple le passage du Paris fluvial lent au Paris terrestre hyper-dynamique… mais c’est lui qui imprime le rythme. Il ne devrait que le suivre… ce qui est difficile quand il n’y en a pas.

Bilan:
Des images sympa, Jeff Mills est bon et assure comme il peut. Problème, une fiction (ou un documentaire rythmé) est plus adapté au développement d’une musique de plus d’une heure qui doit nécessairement voir son rythme et ses tonalités se diversifier en fonction de l’image, chose difficile ici, même si Jeff Mills est bon. (je l’ai assez dis, ça va?) Pour comparer avec ce qui est comparable, déjà vu un ciné-mix de Duel (1972, Spielberg), film a suspens avec peu de dialogues … et par conséquent tout à fait adapté à la manoeuvre.  Mais on pardonne, la tentative était louable et ça reste sympa à voir. Un mix-video eusse pu être une idée…

Mr Orange

Projet X

Année: 2012
Titre original: Project X
Réalisateur: Nima Nourizadeh
Acteurs notoires: aucun

Plot: best party ever.

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange:  Initialement peu enclin à voir Projet X, l’expérience s’est finalement avérée fort divertissante. Pourquoi? Parce qu’en le considérant pour ce qu’il est à mon sens – un film de teensploitation -, il s’avère bon dans son genre. Si les comportements excessifs d’une jeunesse trop joyeuse vous agace, si une fourchette positionnée à droite de l’assiette vous horripile, si vous êtes une féministe revancharde, ce film n’est pas pour vous. Projet X a le bon goût de ne cibler que son public: jeune et majoritairement masculin, ne pas se plaindre dans le cas contraire:

Préquel-like de Very bad trip, hard-teenager caméra à l’épaule…  dans l’univers de la fête no-limit, la jeunesse dépravée et les excès de drogues diverses et variées. Ainsi, autour d’une trame de fond suffisante, s’organise la soirée de tous les excès – et extravagante façon US – apportant sa dose de gags et scènettes hilarantes. Le chien, le nain, Dax… assureront de bons éclats de rires. En plus: des plans boobs, à gogo. C’est bien l’intérêt du film. Au sens propre. Enfin un teenager qui n’a pas froid au yeux. Qui ne cache pas, que ce soit des seins ou des âneries. En excès, bien sûr. C’est bien l’intérêt du film.

Un plaidoyer de soirées insouciantes et excessives. Oui. Mais pas totalement irréfléchi. Les excès de fêtards irresponsables restent effrayant. Parce que le lendemain, il faut pouvoir assumer ses actes, l’homme s’adonnant à des agissements peu honorables sous l’emprise de la foule/alcool, tout le monde en prenant plus ou moins explicitement pour son grade, femmes-boobs et croisés en quête du saint trempage-de-nouille s’amusant de tout et n’importe quoi. Arrêt sur image d’une réalité qui n’est plaisante que vue de l’intérieur. Réalisme (caricaturé) qui est bien tout l’intérêt du film.

Problème: Projet X cible des gens suffisamment bêtes / insouciants (rayer la mention inutile) pour s’émerveiller devant les évènements exposés… et suffisamment intelligent pour ne pas tenter de réitérer les exploits. C’est un film après tout. Tagline US: « the party you’ve only dreamed about ». Vrai, mais devrait être ajouté la mention: « the party you must only dream about »… confère les débordements ultérieurs.

Un film surréel, bête et méchant… drôle pour les fêtards raisonnés.

Faster, pussycat! Kill! Kill!

Année: 1965
Titre original: Faster pussycat! Kill! Kill!
Réalisateur: Russ Meyer
Actrices notoires: Tura Satana, Haji, Lori Williams, Susan Bernard, Stuart Lancaster

Plot: Trois strip-teaseuses passent du côté obscure.

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange: Après en avoir longtemps parlé (ici ou là), en avoir longtemps rêvé, Faster pussycat! Kill Kill! a enfin dévoilé ses secrets. Figure de proue du B-movie, archétype du grindhouse, masterpiece de Russ Meyer, réalisateur phare qui a par ailleurs énormément apporté aux films de sexploitation. Mr Meyer est en effet un amateur déclaré de la gente féminine, et particulièrement de ses représentatrices aux attributs sur(s)exprimés. Blague: il a récemment porté plainte contre sa compagne pour « violence conjugale ».

Narrator: Ladies and gentlemen – welcome to violence! 

Mais trêve de tergiversions, revenons au sujet: 3 femmes au(x) fort(s) caractère(s) et sans morale se prélassant dans les plaisirs de la violence gratuite. Varla, leadeuse et combattante sans limites, Rosie, suiveuse et Billie, seule âme pure… si l’on occulte sa libido exubérante. Face à ce trio infernal? D’autres clichés: une frêle et innocente créature au(x) caractère(s) réprimé(s) – notez la subtilité reliant scénario et casting -,  une montagne de muscle écervelée, un bon gars, un vieux pervers, un pompiste naïf… la totale.  Pour notre plus grand plaisir.

Du B-movie, du vrai. Rien que le titre poutre. En plus: des courses de bagnoles, des nanas affriolantes n’aspirant qu’à s’exhiber (sans nudité) entre 2 fêloneries, des dialogues adéquats, une introduction de circonstance, des meurtres gratuits et des rouages scénaristiques simplissimes. Point. Et personne n’essayera d’expliquer la violence latente transcendant Varla, ni ne s’offusquera de l’intrusion d’une trame téléportée par un pompiste étrangement bavard. Sex, drugs & rock’n roll. On aime. Et surtout, des femmes qui en ont, des femmes qui s’imposent comme sexe dominant face à des mâles incapables de leur résister. Semant la dévastation, ces 3 cavalières de l’apocalypse s’évertuent à promouvoir un message féministe. Extrémiste certes. Avant-gardiste aussi.

Un film culte.

Questions:
1/ est-ce que l’accent des 2 femmes foncièrement violentes ne seraient pas une forme de décharge/critique? aka les femmes libérées ne viennent pas des USA.
2/ Varla : « I never try anything – I just do it »  … Varla, maîtresse de Yoda? :)

Il fut un temps, un remake par Mr QT a été évoqué… peut-être s’est-il suffit de la 2e partie de Boulevard de la mort… QT à propos de Tura/Varla: « I would give up five years of my life to work with Tura Satana. She is Japanese, Cheyenne, and something else, awesome. »