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Archives de Tag: Hémoglobine

Année: 2017
Réalisateur: Ridley Scott
Acteurs notoires: Michael Fassbender, James Franco

Plot: dans l’espace, personne ne vous entend crier.

 

 

 

 

Mr Orange: Nouveau coup de maître du (grand-)père Ridley, Alien : Covenant joue à l’équilibre entre le chef d’oeuvre mythologique et bourrin qu’est Prometheus et la cultissime saga d’horreur spatiale Alien-s-3-resurection. Posé sur les bases solides du premier, en nous ramenant à nos délices xénomorphiques de la seconde. Et pourtant méprisé par la langue venimeuse du public?

Attentions spoilers

Après cinq ans d’abstinence xénomorphique, les grosses bébêtes luisantes reviennent. En commençant par une belle com’. Si le prologue The crossing ou l’extra à 360° In utero font de parfait bonus pour ceux qui n’en ont pas eu assez, le biblique Last supper est facile certes, mais surtout un magnifique clin d’oeil / piège pour les fans. Jouant sur l’une des scènes les plus mythiques de la saga, le spectateur va s’attendre à une re-moulure 2017 du 8e passager, avec un James Franco pour donner la réplique façon moustache pré-pubère. Erreur. Si l’on retrouve des éléments clés de la saga originelle (réponse au signal, galerie des horreurs, vue subjective…), il s’agit aussi – et avant tout – de la suite de Prometheus. Prometheus avec ses aspirations et questionnement cybernétiques. L’origine de la vie et surtout des xénomorphes qui prend enfin un sens avec une révélation d’une horreur glaciale. Ces xénomorphes tapis dans les l’ombre… ces bêtes monstrueuses qui nous clouent inlassablement au siège pour notre plus grand plaisir. Semant la terreur sur un casting sorti de nulle part. Parce Ridley, il fait des barbecues avec ses movie stars. Et pour la troisième fois, sa nana d’enfer n’a pas besoin d’être célèbre pour botter de la vermine.

Certes, si Covenant ne rassemble pas les masses, c’est que ce n’est pas un sans-fautes. D’où le « maigre » 9/10 pour un film de la saga. Que ce soit la musique Hollywoodienne à deux balles lorsque le Covenant approche la planète (blurp) ou les déboires avec le réseau de panneaux solaires mis hors service dès qu’un tronçon est débranché – ou quand trop d’action tue l’action, à la Passengers. Mais ce sont des broutilles. Non. Ce qui a réellement pêché est le manque de lenteur, le point fort du premier opus de Ridley Scott. Où est passée la tension froide pleine de sueur? Un sentiment de devoir expédier la narration, de ne pas vouloir tomber dans un remake des traditionnelles chasse au xénomorphes/à l’homme? Expédition qui trouve son apogée dans une scène de hangar torchée, les effects spéciaux avec tant qu’on y est. Et pourtant, on l’attendait depuis sa visite initiale. Rempli de chaînes, de véhicules… un terrain de jeu parfait un final à la Terminator, premier du nom. Dommage.

Le point de force de Covenant est finalement cette dualité constante. Des colons assemblés en couples. De l’amour, sans que ça devienne lourdement pompeux, et du sexe, de la tension charnelle indissociable de la saga. Des cyborgs qui forment la pair. Ce magnifique duo cybernétique qui rend toute la grandeur du jeu de Michael Fassbender et culmine avec un jeu de flute bluffant et une punchline qui sort du fond du coeur/programme. Des chestburst qui vont toujours par deux et qui par la même renouvellent la dynamique de la saga. Quand il y en a plus, il y en a encore… et ils sont encore plus méchants. Une action à cheval entre un vaisseau high-tech flottant dans l’espace infini « sea of nothing » et un temple rustique planté au milieu d’une jungle suintante garnie de spores meurtriers. A cheval entre Prometheus et ses parents originels, ravivant la question de l’oeuf ou de la poule… ou plutôt de l’ovomorphe/facehugger et de la reine.

Covenant est magnifique. Garni de mythologie, de réponses et de questions, de gore, d’horreur, de réflexions, et de Walter/David. Un digne représentant de la saga. Et surtout, si Prometheus posait plus de questions qu’il n’en répondait, Covenant laisse aussi du gruyère à mastiquer. Cet éternel plaisir de retourner inlassablement le film dans sa tête, en rentrant du ciné par une belle nuit de Mai, un regard tourné vers les étoiles.

Plus qu’à attendre une nuit Prometheus-Covenant double version longue… et 2019?.

Django unchainedAnnée: 2012
Titre original: Django Unchained
Réalisateur: Quentin Tarantino
Acteurs notoires: Christopher Waltz, Jamie Foxx, Samuel L. Jackson, Leonardo DiCaprio, Franco Nero

Plot: vengeance, spaghetti et champs de cotton

Sources: Allociné & IMDb

Mr Orange: Attention, ceci n’est pas un article ordinaire, écrit après 2 messes, de nombreuses lectures, le visionnage de quelques références et beaucoup de brouillons rédigés au rythme de la bande originale: critiquer pour la 1ere fois son Dieu n’est point évident…

When the fan hits the spaghetti®

Retour tant attendu de notre mentor suprême, Quentin Tarantino! Et la satisfaction ne se fait pas attendre avec un générique qui nous met vite dans l’ambiance: thème du Django de Corbucci, grosse police rouge bien grasse… on ne s’est pas trompé de salle, c’est bien ce qu’on est venu voir. Fondu de western, QT nous délivrait jusqu’alors des références à ses classiques à petites doses subtiles, alors forcément quand il se décide enfin à mettre les mains dans le cambouis et réaliser son western, on n’a plus qu’à s’agglutiner dans les salles pour assister à la messe, encore et encore (bientôt).

Comme on le sait, parmi le trio de Sergio, QT a une affinité particulière pour Corbucci: violent et sale, dépeignant des personnages à la morale douteuse dans un univers sombre et impitoyable. On retrouve donc Django de Django qui traverse la boue de Django avant d’aller errer dans la neige d’El grande Silencio… Mais étonnamment, nous n’aurons pas eu droit à la crépusculaire Gatling ni au baptême des mains brisées. Soit. Seulement, QT en connait un rayon en western, et nous offre une batterie de références en différenciant les genres: du western comique classique avec Visage pâle aka The paleface aux prémices de la fin du spaghetti avec l’arrivée de Terrence Hill dans On l’appelle Trinita aka Lo chiamavano Trinità en passant forcément par (politesse?) les inévitables brutes et truands de Leone, icône phare du western (spaghetti).

Comme on le sait, parmi les B movies des 70’s, QT a une affinité particulière pour la blaxploitation qui devient encore une fois la clé de voute de son film, inspiré directement de The legend of nigger Charley – le western de blaxploitaion qui vaudra peut-être un petit dossier avec ses suites. Ainsi, après avoir vengé les Juifs en refaisant une beauté à Hitler à coups de calibre 9 mm, QT se dresse contre l’esclavagisme et venge les « Afro-Americans » ou les fameux N-word « Niggers » (selon les affinités) des atrocités de leur passé. Ainsi, après nous avoir touché à coeur avec les atrocités en question, QT mène la vendetta des esclaves à coup de fouet, de revolver et surtout de l’impitoyable ridicule. Petite cerise sur le gâteau, Django serait l’aïeul de Shaft?

Comme on le sait, le film frôle la perfection. On retrouve Christoph Waltz en trublion au phrasé pointu pour nous distraire avec brio mais cette fois épris d’empathie pour… Jamie Foxx, badass et bourreau des Sudistes qui ne lésine pas sur sa vengeance bien zélée. En face, un duo redoutable: le petit prince capricieux de DiCaprio et son domestique en chef qui lui vole la vedette, Samuel L Jackson, fin calculateur obséquieux en public et seigneur dans l’ombre. QT, lui, s’essaye à un genre inédit: la narration linéaire orchestrée sur un personnage unique… quasi exempte de flashback parce que oui, faut pas pousser mémé dans les orties non plus, ça reste QT. Toujours est-il qu’ainsi, il se détache de ses précédents et lève le pied sur la fonction « divertissement ultime » pour parler d’un sujet plus sérieux… en conservant sa marque de fabrique. Ah, et la bande originale est culte avant l’heure et les dialogues font la paire, cela va de soit.

On passera sur les apparitions subliminales de Kerry Washington, l’absence de duel Leonien ou l’intervention explosive de QT qui semble un peu artificielle.

Quentin, sculptant la fierté noire dans la viande blanche, signe un splendide western Corbuccien tantôt hilarant, tantôt horrifiant… et succulent comme toujours. Certes, ce n’est probablement pas le meilleur – quoi que difficile d’organiser un top 8 – mais certainement le plus adroit qui atterrit directement dans la case film culte. Comme toujours. A voir sans modération, comme toujours.

The D is silentMoment culte.

L'homme aux poings de ferAnnée: 2012
Titre original: The Man with the Iron Fists
Réalisateur: RZA
Acteurs notoires: RZA, Russell Crowe, Lucy Liu, Gordon Liu, Pam Grier, Eli Roth, Cung Lee, David Bautista…

Plop: prends ça dans ta face.

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange: Transpirant la culture kung-fu depuis la mythologie ou les textes du Wu-Tang Clan qui l’a fait connaître, RZA (RaiZAa) plonge inexorablement dans le cinéma: bandes originales pour Ghost dog, la voie du samurai, Kill Bill vol. 1, Afro samuraï… et diverses apparitions à l’écran dont la plus notoire est probablement « Samouraï Apocalypse » dans Californication. C’est donc sans surprise qu’après s’être amouraché de Jarmusch et Tarantino, il finisse par passer de l’autre côté de la caméra pour faire son propre film de kung-fu.

Fan de kung-fu, RZA recrute une tripotée de talents pour l’épauler: Eli Roth l’assiste pour livrer un scénario très kung-fu, Corey Yuen confirme ses talents de chorégraphe (réalisateur/chorégraphe du bon La légende de Fong Sai-Yuk notamment), Russell Crowe brille à l’écran en flegmatique pervert, Lucy Liu nous resserre son rôle inlassable, des champions d’arts martiaux font acte de présence… et l’inévitable maître Gordon Liu livre le « cameo obligatoire à tout film de fan » (cf Kill Bill).

Bons acteurs, bon chorégraphe, bon scénar’…. mais qu’est-ce qui pêche alors? Ah… la réalisation: brouillonne, elle sabote un film qui aurait pu valoir de l’or: il vaut du bronze. Oui, RZA a beau être fan de film de kung-fu, il n’en n’est pour autant réalisateur. S’entrainer le jeune padawan doit, s’il veut atteindre l’excellence. Par contre, la où l’on attendait réellement, c’était à la bande originale! Vindiou! Mais non. Pour l’histoire, non satisfait de la BO qu’on lui proposait, il a demandé conseil à PAPA Tarantino (qui «  »présente » » le film et) qui lui a répondu de la faire lui même. RZA aurait dû écouter plus attentivement QT et se débrouiller tout seul avec son Clan. Il a jusque là été très bon à ça. Parce qu’autant on peut apprécier la présence d’Issac Hayes… celle de Kayne West est vraiment très déplacée! Il aurait dû produire, se concentrer sur la BO et confier la réalisation à quelqu’un de bien au lieu de se perdre entre l’avant et l’arrière de la caméra. Parce que je n’en ai pas parlé mais son jeu n’est pas au mieux de sa forme.

Oh gloire, des petits plaisirs vont venir sauver l’honneur:
– un oeil qui vole suite à un coup de poing dévastateur, hommage à Kill Bill vol. 2 évidement… mais aussi image du degré de violence que s’est permis RZA, rien de plus plaisant qu’un film de kung-fu avec des liquides et des solides qui volent.
– des répliques d’exception qui vont souvent de paire avec l’humour gras qui tourne autour du temple de dépravation dirigé par une Lucy Liu impassible.
– Pam Grier, icône sexy de la blaxploitation, qui nous offre un caméo en mère libératrice de…
– … Thadeus (RZA) qui devait apparaître dans… Django unchained!!

A force de vouloir tout faire, RZA se disperse. Il jongle avec l’excellence mais ne maitrise pas encore son Khi et ne nous livre que de petits bons moments.

Festival Paris Cinéma: Hong-Kong à l’honneur – Nuit HK

Voici un petit dossier tiré de La nuit Catégorie III, qui a été préférée à la nuit Johnnie To (au bout du couloir) pour le simple fait que les films de ce dernier sont plus facilement accessibles. C’est donc après un ciné-mix que de 22h à 5h30 nous avons eu droit à la perle de la perle du cinéma HK, parfois en mandarin sous titré cantonais + anglais, le petit plaisir en plus. Thé/Café offert à volonté qui n’est pas de refus sur les coups de 3h30. Brioche en récompense pour les pus farouches.

Catégorie 3: équivaut aux films interdits aux moins de 18 ans à Hong-Kong, d’abord exploité à des fins contestataires par le cinéma d’art et d’essai, le filon a très vite dévié vers des thématiques plus sanglantes et plus dénudées.

Note: le public était loin d’être exclusivement masculin !

The untold story

Année: 1993
Titre original: 八仙飯店之人肉叉燒包
Réalisateur: Herman Yau
Acteurs notoires: Anthony Wong, Danny Lee, Julie Lee

Polar gore basé sur une histoire vraie, The untold story relate l’enquête de flics flemmards, incompétents, cruels, lubriques… cherchant à coincer un psychopathe dénué de toute morale: meurtres sanglants, viol, urophilie, cannibalisme… C’est trash… et extrêmement drôle. Anthony Wong livre une interprétation impressionnante qui donne toute la crédibilité de son horrible personnage et lui vaudra un award.

Petite anecdote glauque: l’histoire ne dit pas si des animaux ont été maltraités, mais révèle que des enfants l’ont été, d’où leur jeu impeccable. Parce que oui, personne n’échappe à notre psychopathe.

Un bon polar déglingué assurant un bon moment. Depuis, Herman Yau a fait un remake avec Anthony Wrong, il s’appelle Ebola syndrome

Crazy love

Année: 1993
Titre original: 蜜桃成熟時
Réalisateur: Roman Cheung
Actrice notoire: Loletta Lee

Comédie érotique, Loletta Lee incarne Jane, une jeune femme qui s’amuse avec les hommes, profitant pleinement de son corps, parfois sadique et manipulatrice, parfois généreuse. Pourquoi tourner un tel film? Pour voir Loletta Lee nue. Sérieusement, elle a voulu casser son image de petite sainte. Mission réussie dès les… 10 premières secondes, avec une inspection en bonne et due forme. Au-delà des scènes purement érotiques qui sont finalement rares, on s’amusera énormément des gags et de la mise en scène, les attributs de la miss – bien que splendides – déclenchent finalement plutôt des rires hilares que des filets de bave abrutis.

Une femme libérée… et une grosse marade assurée.

The story of Ricky

Année: 1991
Titre original: Lik wong
Réalisateur: Nam Lai-Choi
Acteur notoire: aucun

Innovateur kung-fu gore, The story of Ricky revient sur un dilemne du kung-fu: comment ce fait-il que les mecs brisent des murs de parpaings mais ne perforent jamais leur adversaire? Gros gore caoutchouteux, tout est dans l’exagération. Le gore, déjà. Le héros invincible aussi. Et puis, parce qu’on parle de cinéma HK… des séquences émouvantes, d’un lyrisme époustouflant, une naïveté qui n’est pas du 2d degré… à HK. La fameuse flûte qui sort de nul part restera dans les annales !

Une réalisation soignée, un panel d’ennemis hauts en couleur, du gore, du niais… encore une fois extrêmement divertissant.

Sex and zen 2

Année: 1996
Titre original: 玉蒲團II之玉女心經
Réalisateur: Chin Man-Kei
Actrice notoire: Loletta Lee, Shu Qui

Conte fantastico-slasho-érotico-comique sur fond de Chine ancestrale, rien que ça, Sex and zen 2 va loin. Très loin. Il y a un 1 et un 3 qui n’ont en rapport que la structure de l’histoire: un conte comme fil directeur. Contrairement au film cité plus haut, celui-ci est plutôt bien garni en scènes érotiques jusqu’à s’aventurer à des jeux de bougie, d’acuponcture, de supra-sex-toys… et même l’apparition d’un monstre tentaculaire et autres sexualisées déviantes. Et en dehors de tous les gags, on s’amusera énormément de l’utilisation du sexe comme moteur de l’histoire et détenteur de tous les rouages. D’autant que le film étant un conte, il délivre une morale… utilise un mythe… succube-like. Evidement.

Anecdote pas glauque: Shu Qi voulait être connue, elle a joué nue. Depuis qu’elle s’est mise au cinéma d’auteur, elle essaye d’oublier… contrairement aux spectateurs.

Drôle, sexy, une caméra bien maîtrisée et de bons délires fantastiques… je regrette d’avoir eu quelques chutes d’attention sur cette fin de nuit.

Bilan
C’était gore, c’était sexy… mais surtout: c’était très drôle! Les DVD de qualité médiocre, les sous-titres sortant de l’écran, le voisin qui râlent lors des éclats de rire, les rires pourris (moi le premier)… tous les éléments étaient réunis pour une authentique nuit Catégorie 3. Une expérience inoubliable. Merci aux organisateurs qui ont gardé le sourire jusqu’à l’aube.

En video:
La nuit du CINEMA par festivalpariscinema

Mr Orange

Année: 2012
Titre original: The Cabin in the Woods
Réalisateur: Drew Goddard
Acteurs notoires: Chris Hemsworth et UN GROS GUEST DE MALADE MENTAL

Plot: des jeunes vont dans une cabane au fond des bois.

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange: Ô Josh Whedon mon amour ♥

La cabane dans les bois est un fabuleux hommage aux films d’horreur. Exempt de tout ton parodique, le film reprend à merveille l’archétype du genre: la fameuse cabane dans laquelle va se perdre une bande de jeunes insouciants. Les codes sont respectés et les références aux papas de l’horreur sont simplement indénombrables.

Le film n’est pas foncièrement flippant ni franchement gore mais y’a du sang par hectolitres. On connait les codes. On sait ce qui va arriver… et c’est d’ailleurs bien la dessus que joue le film. Le premier segment est donc très classique, par choix… et on s’amusera à voir les personnages mourir dans l’ordre pré-établi. Mieux, on s’amuse à reconnaître toutes les références plus ou moins claires au genre: Evil Dead, Massacre à la tronçonneuse, Hellraiser… on en perd vite le compte. Le deuxième segment du film est du gros plaisir façon kiki tout dur en barquette de 12. Point barre.

La com’ du film est parfaite. Ce titre improbable qui colle parfaitement. Cette image de maison rubixcube qui cache son jeu. L’étalage du gros kiki de J. Whedon qui surfe – à juste titre- sur la vague des Avengers. Sans parler de cette tagline provocatrice qui entube le moindre curieux. Bah justement, on va en parler. L’histoire est originale, vraiment. On sent qu’il y a monstre sous pâquerette, mais après… allez savoir lequel? Godzilla? Mothra? King Godorah? Les 3? C’est là que pêche le film, on devine le pot aux roses un poil trop vite (au bout d’1h à vue de pif) en raison de quelques indices disséminés. Peu importe, le scénario et la narration restent géniaux, la fin sublime et il y a toujours une petite surprise cachée derrière l’angle du mur.

Point négatif, spoiler [ cela relève quand même de la totale impolitesse que de tuer une guest pareil ]

L’arme la plus dingue du siècle, un guest à vous souiller le slip, des références à gogo, un bouton rouge jouissif au possible, un effet pigeon, le fist du siècle, une idée originale vraiment géniale, un plan boobs magistralement orchestré… une bonne grosse marade!

Année: 2008
Titre original: Tôkyô zankoku keisatsu /  東京残酷警察
Réalisateur: Yoshihiro Nishimura
Acteur notoire: Eihi Shiina

Plot: Tokyo – gore – police

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange: Retour sur les séries B nippones avec ce Tokyo gore police qui a le mérite d’être totalement fidèle à son titre. On tombe donc dans un déluge de gore, d’absurde, de gore, d’improbable, de gore, de gore, de gore.. façon caoutchouc. Yoshihiro Nishimura, qui était responsable des « effets spéciaux » de Machine girl sorti la même année revient donc ici avec son film à lui. Et quel film…

Attardons nous quelques instants sur l’histoire: Ruda est membre de la nouvelle police tokyoïte, privatisée et expéditive, qui lutte notamment contre les Ingénieurs, des criminels qui ont la capacité de transformer toute blessure en arme mortelle. Je vous laisse donc imaginer librement toutes les dérives que cela peu engendrer. Ayé? Fini? Bah considérez que ce que vous avez pu imaginer n’est RIEN comparé à ce qu’a imaginé Y. Nishimura. Et son imagination va loin: voiture de police absurde,  prostituées mutantes, bio-jetpack… WHAT-THE-FUCK ?!! En plus, le film est jonché d’intermèdes publicitaires (façon Starship Troopers) vantant les mérites de cutters kawaï pour s’ouvrir joyeusement les veines. Et oui, si on veut, on peut accorder une sous-lecture au film qui critiquerait la société japonaise, la publicité omniprésente toussa toussa, mais il ne mérite pas d’être pris pour plus que ce qu’il n’est: un film gore.

Comparons avec ce qui est comparable: Machine girl était gore, drôle, absurde et efficace. Tokyo gore police est gore, drôle, gore, absurde, gore et pas efficace. Le film dure 1h50, ce qui est réellement trop long pour le genre considéré. Surtout qu’il ne devient fun qu’au bout de 45 min, le début étant franchement délétère à l’appréciation de la suite qui apporte pourtant son quota de scènes hilarantes. On tombe vraiment dans les tréfonds des délires japonais gores et crades (confère la douche générale et enthousiaste de cyprine/urine, l’homme tronc en laisse…). Et que personne ne se fasse d’illusion, la présence d’Eihi Shiina, la belle et dangereuse d’Audition de Takashi Miike, n’est en aucun cas un gage de subtilité. Aucun. On est a 10 lieues de la subtilité trash de Miike.

Trop long avec beaucoup de scènes (trop?) gores inutiles gâchant sérieusement l’intérêt que peu porter la deuxième partie du film. Pour info, j’ai failli abdiquer et l’envoyer direct dans à éviter, heureusement ça s’améliore au bout de 45 min avec quelques scènes grandioses. Dommage, trop d’excès tue l’excès. A regarder en fond pendant que vous bidouillez autre chose.

Année: 2012
Titre original: Dark Shadows
Réalisateur: Tim Burton
Acteurs notoires: 1000

Plot: Conte fantastique sur fond de drame familial

Sources utiles: Allociné & IMDb
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Mr Blonde : 2 ans après Alice au Pays des Merveilles, Tim Burton revient avec un projet qui lui tient à cœur. Fan de la série éponyme crée par Dan Curtis en 1966, lui et son pote Johnny  avaient depuis longtemps l’envie de l’adapter.

On retrouve donc les 2 zozos habituels JD et HBC (qui sert pas à grand chose pour le coup) dans ce soap opera 70’s sur fond de conte fantastique mêlant sorcière et vampire. Cependant, l’ami Tim s’est fait plaisir sur le reste du casting! Que du bon :

Michelle Pfeiffer  : qui se retrouve une seconde fois sous la direction de Monsieur-mes-cheveux-sont-un-concept, 20 ans après Batman, le défi, où elle tenait le rôle de Catwoman. Pour les plus calés : il y a 2 références à Batman dans le film, à vous de les trouver.

Eva Green  : parfaite pour son rôle de méchante sorcière. Elle l’a bien bossé pour singer au mieux la façon de bouger des personnages fantastiques de l’univers Burton (dixit Interview)
Par contre Tim…. teindre en blonde Eva Green…..ça revient à chanter ça sur ça. Ya pas le droit, c’est tout!

Jackie Earle Haley : /love. Vous avez pu le voir dans Watchmen, Shutter Island  ou encore Freddy – Les Griffes de la nuit. Parfait lui aussi pour son rôle de majordome, sa belle sale gueule est raccord avec l’ambiance fantastique… quand elle est là.

Chloe Moretz : Mais siii vous savez : hit girl dans Kick-Ass ou la side-kick inutile dans Hugo Cabret. Elle campe une petit nymphette qui par son jeu désabusé est très drôle. Je dirais même poilante.

Ainsi que 2 guests de poids (SPOILER) :
Christopher Lee : qui avait déja tourné avec Tim Burton dans Sleepy Hollow et qui laisse ici le rôle du vampire vedette à JD. Le bonhomme est en effet, avec Peter Cushing, LE Dracula de la Hammer.

Alice Cooper : Chanteur déjanté et icône incontesté du shock rock.

Pour en venir au film en lui même…. c’est bien. C’est pas du grand Tim Burton mais c’est bien. Mais c’est sa faute aussi! Il avait pas qu’à mettre la barre si haut dans sa filmo. Le film est bourré de références à ses anciennes productions. On reconnaîtra ainsi la thématique des personnages torturés et hauts en couleur d’Edward aux mains d’argent, les petits big-up aux Big Fish ou encore le final chimérique à la Beetlejuice.

Final qui réveille d’ailleurs le spectateur, légèrement endormi par quelques dialogues poussifs sauvés par  l’excellent jeu d’acteur et le second degré de  Johnny Depp.
Ce n’est donc qu’à la fin que l’on retrouve du Burton, du vrai, du bon comme on l’aime, tant sur la mise en scène que la musique. On ressort donc sur une note positive, amusé mais pas transcendé.

PS : Petit plus pour la BO=> intro sur le magnifique Nights in White Satin

Année: 2011
Titre original:  Ajoessi / 아저씨
Réalisateur: Lee Jeong-beom
Acteurs notoires: Won Bin, Kim Saeron

Plot: amitié entre un bad ass et une petite fille

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange: The man from nowhere est un de ces films qui nous rappelle que le cinéma coréen est excellent et surtout la différence entre un bon film et un film sympa. Coup de coeur qui fait plaisir là ou ça passe… ce qui n’arrive malheureusement pas tous les jours.

Sans trop entrer dans les détails: Ajoessi, mystérieux prêteur sur gage, se lie d’amitié avec So-mi, une jeune voisine solitaire qui cherche un ami… une compagnie que sa mère, junkie, ne lui donne pas. Ensuite, forcément, y’a quelques soucis qui se pointent, et on découvre que le ajoessi de So-mi est un total bad ass. Le film est vraiment exceptionnel notamment avec cette histoire d’amitié entre une petite fille extrêmement touchante – la jeune actrice est bluffante – et notre prêteur sur gage cachotier. Plus qu’une simple excuse bidon pour justifier une violence gratuite, cela apporte une réelle profondeur au film, parce que bien traité.

La libération d’Ajoessi de ses gongs s’ensuit d’une enquête échelonnée de violence brutale, implacable sans être frénétique ou esthétique.  Le film prend une réelle force pendant la 1ère moitié, au cours de laquelle l’identité du beau ténébreux nous reste obscure. On regrette un peu d’en apprendre sur lui, le pouvoir du mystère étant tellement fort (confère Alien le 8e passager), mais c’est finalement pas si mal traité malgré l’aspect un peu cliché de la vérité et l’approfondissement de l’histoire nous fait vite oublier ce petit écart.

Descente dans les bas fonds de la mafia coréenne. Acteurs surprenants. Violent, touchant, dur, impitoyable… on n’oublie pourtant pas de nous divertir avec quelques tirades vengeresses. A voir sans hésitation.

A regarder en coréen sous-titré !

Année: 2011
Titre original: Hobo with a Shotgun
Réalisateur: Jason Eisener
Acteur notoire:  Rutger Hauer

Plot: un clochard rend la justice à coup de fusil à pompe.

Sources utiles: Allociné & IMDb
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Mr Blonde: Lors de la sortie de leur programme Grindhouse, Quentin Tarantino et Robert Rodriguez organisèrent un concours de fausses bandes annonces. Le grand vainqueur fut Hobo with a shotgun (dont la fausse bande annonce est disponible ici) Attention âmes sensibles s’abstenir!

À l’instar de Machete , Hobo with a Shotgun eu le droit à son adaptation en long métrage.
Bon bien sûr c’est un film à prendre au second degré! Non un mec s’est pas dit je vais faire une histoire crédible avec une intrigue poignante en mettant un fusil à pompe dans les mains d’un clochard! Les personnages sont ultra-caricaturés, le dénouement assez prévisible et c’est gore. Très gore. Mais gore sale. À la Grindhouse quoi!

Rutger Hauer (le terrifiant réplicant Roy Batty de Blade Runner) campe ici un clochard itinérant qui débarque dans une ville gangrénée jusqu’à la moelle par une Mafia familiale qui terrorise les habitants à grands coups de passage à tabac et d’exécutions publiques sanglantes et spectaculaires. Suite à quelques évènements, il décide de prendre les choses en main et commence à faire justice, un shotgun à la main. Une sorte de Batman, mais avec moins de sous ;).

L’intérêt du film vient des multiples répliques plus grossières et ridicules les unes que les autres mais pour le moins bien poilantes  et surtout de son comique de situation (le film va parfois un peu plus loin que les autres films du genre. La règle « pas les femmes et les enfants » n’est par exemple pas respectée).

Vous aimez le Grindhouse, vous vouez un culte à ce genre old school bien particulier : Watch it!
La vue du sang vous importune, vous préférez le langage châtié et pour vous une plaque d’égout n’est pas un instrument de mort  : Passez votre chemin!

Mr Orange: Oh que c’est gore, oh que c’est sale… et presque trop. Comme l’a dit Mr Blonde les femmes et les enfants d’abord, sans soucis. Bref, de la grosse série B. Tarantino et Rodriguez voulait une bande annonce de film d’exploitation.. bah ils ont été servi! Douche sexy de sang,: check (hahaha…), meurtre ultra-gratuits ultra-malsains: chek… re-check… et re-re-check, gros clichés: check … bref, les mecs n’y sont pas allé avec le dos de la cuillère.

Un clodo qui nettoie une ville rongée par le mal à l’état pur au shotgun. C’est gratuit, et c’est pour ça qu’on aime. Bon, personnellement, si je devais le comparer à son grand frère, Machete, ce dernier reste quand même très supérieur, qu’on soit d’accord.

Pour illustrer le niveau de salitude du film, voilà la plus belle déclaration d’amour que peut faire un homme à une femme (prostituée de profession):
Large Man: You look so hot, I just want to cut off my dick and rub it against your titties!
J’essayerai un de ces quatre, si ça se trouve c’est l’instrument de séduction ultime, le St Graal, ce qui fait passer le séducteur en niveau pro…

En tout cas, si le film n’apporte pas des répliques facilement sortables en société, c’est clair que dans le genre série B, il joue pro.

Année: 2008
Titre original: Bak-Jwi
Réalisateur: Park Chan-wook
Acteur connu: Song Kang-Ho

Plot: Un jeune prêtre, infecté, se transforme en vampire et va devoir faire face à des pulsions jusqu’ici réprimées.

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Orange: Après sa trilogie de la vengeance, Park Chan-wook nous livre une histoire d’amour vampirique unique. Pour ceux à qui l’anglais donne des frissons, Thirst signifie soif dans la langue de Jack the ripper. Et donc le film est centré sur cette soif qui dévore un vampire, déchiré entre sa formation de prêtre et un besoin vital de sang. Avec un esprit très réducteur, on pourrait simplifier le film à « In the mood for love » version sanguine. Ceci étant dit, il ne faut pas s’attendre à « un film de vampire ». Park Chan-wook s’approprie le sujet en conservant certains codes (lumière…) mais il va bien au delà du film de vampire.

Je reproche 2 points au film. Déjà, sur 2h15, y’a un certain manque de dynamisme, d’accroche. D’autre part, les bruits de succion. Autant lorsque notre prêtre boit le sang directement à sa source, le « gros bruit de succion bien dégueulasse » et très dérangeant est totalement justifié, et le malaise procuré est tout à fait acceptable. Ce qui m’a pertubé, c’est d’entendre le même bruit lors de baisers passionnés. OK, il y a surement un sens à cela, une forme de phase de transition vers l’acceptation de l’état de vampire blablablah, m’enfin moi ça m’a juste dérangé, gonflé… et poussé à regarder le film en 3 fois. Et pourtant, dans la gamme film trash, j’en ai vu des vertes et des pas mûres.

A par ça, le film est d’un esthétisme bluffant. La photographie est tout simplement géniale. Magnifiques jeux de couleurs, de lumières. Les acteurs sont parfait. Entre le prêtre capable d’un auto-contrôle hors du commun (si seulement c’était le cas de tous…) et sa chair-et-tendre qui se définie à l’inverse par une forte impulsivité, entièrement à l’écoute de ses émotions… le gouffre est dépeint avec talent.

Malgré quelques lenteurs initiales, Park Chan-wook signe avec superbe une histoire d’amour vampirique (trop?) dérangeante. A savourer.

Année: 1996
Titre original: Gokudô sengokushi: Fudô
Réalisateur: Takashi Miike
Acteurs notoires: Riki Takeuchi

Plot: Vengeance au sein d’un gang de yakuzas.

Source utile: IMDb

Mr Orange: Retour sur les débuts de T. Miike, traitant une fois de plus de son sujet préféré: les yakuzas. Fudoh est issu d’un manga dont l’univers caractéristique serait difficile à ignorer: des enfants (casquette fluo, sac à  dos, choco) ayant remplacé leur Game Boy par des armes de poing, une brute monumentale, Obélix-like, une adolescente jouant de la sarbacane vaginale… comme troupe de choc d’un jeune yakuza à l’image impeccable !

Bon, on va pas y aller par 4 chemins, nous sommes servis de scènes d’une violence dévergondée, de sang coulant à flot (littéralement), d’une scène de sexe des plus déviantes comme seul T. Miike sait nous en faire (dans le monde du cinéma « régulier »).

Contrairement à certains de ces autres films (Gozu, Dead or Alive, Audition), celui-ci n’est pas sujet à des longueurs d’un ennui certain. Et l’on peut voir ça comme un point positif, certes… qui irait se plaindre de ne pas s’ennuyer?! Mais d’un autre côté, même si T. Miike sait très bien nous surprendre, on regrette l’absence de rupture dans la dynamique du film… m’enfin Fudoh date du début de sa carrière et on lui pardonne facilement la jeunesse de sa réalisation !

Finalement, 1h30 d’assassinats divers et variés sur ton d’univers yakuza version manga… signé T. Miike, ça reste essentiellement un petit bonheur simple de la vie qu’il faut savoir apprécier sans modération :)

Année: 2009
Titre original: Daybreakers
Réalisateurs: Michael Spierig & Peter Spierig
Acteurs notoires: Ethan Hawke, Willem Dafoe, Sam Neill

Plot: La majorité de la population s’est transformée en vampire et doit faire face à une famine sans précédent.

Sources utiles: Allociné & IMDb

Mr Blonde: Dans l’immense océan de bouse qu’est la culture des vampires de nos jours, Daybreakers sort un peu du lot. Bien que son rythme rappelle  des films tels qu’ Equilibrium, il y a quelques petites pointes d’originalité qui font de cette oeuvre une bonne détente. Les trois principaux acteurs apportent un peu de poids à l’ensemble (Sam Neil se fait rare en dehors de la jungle Jurassique) et le côté futuriste totalitaire est toujours sympa a exploré.
Bon point  : l’esthétisme de la scène finale qui s’apparenterait presque à une fresque de la renaissance italienne. si on fouille bien.

En gros, c’est pas mal. Pas mal du tout pour un film de vampires. On a vu mieux c’est sûr, mais en ce moment les concurrents sont trop occupés à se déshabiller toutes les 2 scènes pour avoir de la crédibilité, donc…


Mr Orange:
 Tiens, un film de vampire… oh mieux… un bon film de vampire, ça change de Twilight! Avec 90% de la population transformée suite à une épidémie dont on a rien à secouer, forcément, les réserves de sang s’épuisent vite, et les humains restant aussi, par la même occasion. Les règles sont ici inversés, dans cette utopie vampirique. Nos petits buveurs de sang  doivent donc gérer leur stock, rationner, chasser les humains et… les transformer en piles, Matrix-like, tout en conservant un mode de vie métro-boulot-dodo.

Donc on conserve les mêmes bases (miroir, soleil, pieux) et on revisite le genre, pour un résultat pas si mal que ça, témoignant d’une certaine originalité. Autant prévenir, ça pisse le sang, y’en a partout, c’est dégueulasse.

Niveau acteur, E. Hawke en vampire honteux de son état, W. Dafoe – /love – en père spirituel, on est servit. Bon, à côté de ça, le scénar’ casse pas des briques non plus, faut l’avouer.

Bref, c’est sympa et apporte un peu de sang frais au genre :)